Le style Tudor à Pickering Village: Ajax Ontario

Un écho de l’Angleterre ancienne à Ajax, en Ontario

Au cœur d’Ajax, Pickering Village offre un aperçu inattendu de la nostalgie architecturale canadienne pour l’Angleterre d’autrefois. Bien qu’Ajax se soit développé rapidement pendant et après la Seconde Guerre mondiale pour loger les travailleurs des usines de munitions, puis des familles de banlieue, Pickering Village conserve un charme unique ancré dans l’architecture néo-Tudor. Ce style — parfois appelé « Tudor de fantaisie » — évoque les maisons à colombages médiévales de l’Angleterre et est devenu un choix populaire pour les habitations en Ontario entre la fin du XIXᵉ et le début du XXᵉ siècle.

Origines du style néo-Tudor au Canada

Le style néo-Tudor est né en Grande-Bretagne à l’époque victorienne et a rapidement traversé l’Atlantique. Au Canada, il a séduit les propriétaires cherchant un lien romantique avec le passé, surtout pendant l’entre-deux-guerres. Dans les années 1920 et 1930, la classe moyenne ontarienne en plein essor appréciait ces maisons pour l’impression de stabilité, de savoir-faire artisanal et de tradition qu’elles inspiraient.

Les caractéristiques typiques comprennent :

  • Colombages apparents : poutres de bois foncé sur un enduit clair ou de la maçonnerie, créant des motifs décoratifs en façade.

  • Toits à pignons très inclinés : souvent avec des croisillons ou des planches de rive décoratives.

  • Fenêtres hautes et étroites : parfois à petits carreaux ou regroupées par bandes.

  • Cheminées mises en valeur : souvent massives et ornées de briques décoratives.

Le caractère Tudor de Pickering Village

Pickering Village, ancien hameau du XIXᵉ siècle antérieur à la fondation d’Ajax, a connu un essor de constructions néo-Tudor du début au milieu du XXᵉ siècle. À mesure que la communauté passait de milieu rural à banlieue, les constructeurs et architectes ont adopté l’esthétique Tudor pour donner un cachet patrimonial à un secteur en pleine mutation dans la région élargie du Grand Toronto.

On peut encore admirer aujourd’hui ces maisons aux façades à pignons, colombages décoratifs et maçonnerie soignée, qui apportent une touche d’« ancien monde » aux rues modernes. Certains bâtiments commerciaux du cœur du village reprennent également des éléments Tudor, créant un paysage piétonnier charmant et intemporel.

Importance dans l’histoire de l’art

Sur le plan de l’histoire de l’art, les bâtiments néo-Tudor de Pickering Village s’inscrivent dans une tendance canadienne plus large : l’architecture historiciste. Contrairement au fonctionnalisme rigoureux de l’après-guerre, le néo-Tudor représentait un geste culturel délibéré — une manière de relier les nouvelles communautés canadiennes à l’histoire et à l’esthétique européennes. Le choix de ce style à Pickering Village exprimait à la fois un goût esthétique et le désir de continuité culturelle au moment où Ajax passait de terres agricoles à un centre industriel puis résidentiel.

Un conseil pratique pour les acheteurs d’aujourd’hui

Pour ceux que séduisent les maisons néo-Tudor de Pickering Village, il est essentiel de se rappeler que ces demeures, bien que charmantes, sont souvent anciennes et peuvent présenter des besoins d’entretien particuliers. Les colombages décoratifs, les cheminées en maçonnerie et les toitures pentues peuvent cacher des problèmes liés à l’âge. Toute personne envisageant d’acheter l’une de ces maisons de caractère devrait prévoir une inspection résidentielle professionnelle à Ajax afin de vérifier l’état de la structure, du toit, de l’isolation et des systèmes mécaniques avant d’investir.

Préserver un patrimoine vivant

Le paysage néo-Tudor de Pickering Village témoigne de la manière dont les Canadiens ont réinterprété l’histoire architecturale européenne pour créer un sentiment d’identité dans des communautés nouvelles. Alors qu’Ajax continue de croître et de se moderniser, préserver et entretenir ces maisons — tout en les adaptant aux besoins contemporains — permet de maintenir vivante une composante visuelle et culturelle unique du tissu suburbain ontarien.

 

En Anglais:

Tudor Revival in Pickering Village: An Echo of Old England in Ajax, Ontario

Nestled in the heart of Ajax, Pickering Village offers an unexpected glimpse into Canada’s architectural nostalgia for Old England. While much of Ajax grew rapidly during and after the Second World War to house munitions workers and later suburban families, Pickering Village preserves a unique charm rooted in Tudor Revival architecture. This style—sometimes called “Mock Tudor”—evokes the medieval timber-framed houses of England and became a popular choice for residential design in Ontario during the late 19th and early 20th centuries.

Roots of Tudor Revival in Canada

Tudor Revival emerged in Britain during the Victorian era and quickly made its way across the Atlantic. In Canada, it resonated with homeowners seeking a romantic connection to the past, especially during the interwar years. Ontario’s growing middle class in the 1920s and 1930s gravitated toward these homes because they suggested stability, craftsmanship, and tradition.

Defining features of the style include:

  • Half-timbering: Dark wood beams set against light stucco or masonry to create a patterned façade.

  • Steeply pitched gable roofs: Often with cross-gables or decorative verge boards.

  • Tall, narrow windows: Sometimes leaded or grouped in bands.

  • Chimneys as focal points: Frequently oversized and adorned with decorative brickwork.

Pickering Village’s Tudor Character

Pickering Village, originally a 19th-century settlement predating the Town of Ajax, saw a burst of Tudor Revival construction in the early to mid-20th century. As the community evolved from a rural hamlet to a suburban enclave, builders and architects used the Tudor look to give homes a sense of established heritage amid the rapid development sweeping the Greater Toronto Area.

Many of these houses can still be seen today, with gabled façades, half-timbering, and decorative masonry lending an Old World charm to otherwise modern streetscapes. Some commercial buildings in the village core also borrow Tudor elements, blending storefront practicality with quaint English styling to create a pedestrian-friendly streetscape that feels timeless.

Art Historical Significance

From an art history perspective, Pickering Village’s Tudor Revival buildings are part of a broader Canadian trend of historicist architecture. Unlike the severe functionalism of postwar modernism, Tudor Revival served as a deliberate cultural gesture—a way of connecting Canada’s newer communities to European history and aesthetic tradition. The choice of Tudor style in a place like Pickering Village reflected not only an aesthetic preference but also the desire for cultural continuity as Ajax transformed from farmland into an industrial and suburban hub.

Practical Advice for Today’s Homeowners

For those charmed by the Tudor Revival homes in Pickering Village, it’s important to remember that these houses, while beautiful, are often older and may have unique maintenance needs. Features such as decorative timbering, masonry chimneys, and steep roofs can conceal age-related issues. Anyone considering purchasing one of these character homes should schedule a professional home inspection in Ajax to ensure that the structure, roof, insulation, and mechanical systems are sound before making an investment.

Preserving a Living Heritage

Pickering Village’s Tudor Revival streetscape remains a testament to how Canadians have reinterpreted European architectural history to create a sense of place in newer communities. As Ajax continues to grow and modernize, preserving and maintaining these homes—while adapting them for contemporary living—keeps alive a distinct visual and cultural thread in Ontario’s suburban fabric.

 

Comment rédiger un essais de histoire de l'art

Comment rédiger un essais de histoire de l'art.

Essais d'histoire de l'art ne sont pas comme les essais que vous avez écrit dans votre literature ou en sciences sociales classe. Ils sont leur propre race spéciale de l'essai et il faut un peu de temps pour se habituer à la façon dont vous devez les écrire et ce type de recherche que vous devez faire à l'avance pour avoir la preuve que vous avez besoin de faire grand.

Maintenant, je ai dit essais histoire de l'art sont différents, mais qui ne est pas de dire que les règles de base ne se appliquent pas. Bien sûr, vous devez avoir une introduction, le corps et la conclusion; vous devez avoir un énoncé de la thèse claire et vous devez avoir des preuves qui est correctement cité et référencé. Ce qui est différent est la façon dont vous allez sur le développement de votre énoncé de la thèse et de recueillir votre témoignage. Vous devez tenir compte de certains principes de l'art de faire votre point, vous devez décrire la peinture ou la sculpture d'une manière qui profite à votre point et vous devez ajouter savants avis pour soutenir vos points.


Quels principes devrais-je prendre en compte?

Art a certains principes qui sont importants à prendre en compte lors de l'évaluation d'une pièce artistique. Des choses comme forme, la ligne, la couleur, la forme, l'espace, le mouvement, la lumière, la texture, l'échelle, l'équilibre, le contraste et l'accent sont toutes des choses importantes à considérer quand on regarde une œuvre d'art. Ces choses peuvent vous informer que ce que l'artiste a utilisé des techniques, pourquoi l'artiste peut les avoir utilisé et ce que l'artiste est finalement tente de communiquer à l'aide à travers leur art. Par exemple, si vous regardez Rembrandt Van Rijn de "La Nuit Watchmen".


Vous pouvez voir que l'artiste a utilisé un grand nombre des principes mentionnés ci-dessus pour créer sa peinture et de communiquer son message. Des choses comme la lumière (l'ange étrangement la lumière et l'homme en uniforme de crème), ligne (les armes et les mâts attirer le regard sur les différentes parties de la peinture), la couleur (les pops impairs de contraste rouge et blanc fortement avec la plupart du temps uniformes de couleur terne de l'autre des gardiens), la taille (certaines personnes sont curieusement penchés sur ou apparaissent juste beaucoup plus courte par rapport à la personne la plus importante dans la peinture et probablement des gardiens), et le mouvement (les positions et les actions semblent montrer que ces les gens se orientent vers quelque chose d'important) sont présents dans l'œuvre d'art et illustrent les avantages de prendre un moment pour analyser une œuvre des principes. Juste de ces observations rapides, vous pouvez écrire sur la façon dont Rembrandt était intéressé à communiquer non seulement esthétique mais aussi chaque personne fonctionnent quand il a fait la peinture.

Utilisez des dispositifs descriptifs qui aident à prouver vos points

Si vous écrivez sur une période d'un art ou artistes en particulier des oeuvres d'art, vous devriez essayer d'inclure des mots descriptifs qui vous permettront d'illustrer pourquoi les peintures ou des sculptures que vous choisissez sont de bons exemples de cette période ou œuvre d'art particulière. Dire que la peinture est sombre ou qu'il montre le style de Da Vinci vraiment bien vous ne obtiendrez pas le 'A +' vous voulez. Vous devez essayer de décrire l'œuvre d'une manière qui montre comment l'œuvre d'art se inscrit dans votre argument. Si vous choisissez de parler de l'utilisation de Rembrandt de la ligne dans son œuvre, ne pas simplement dire que les lignes sont talk présente sur la façon dont les armes à double sous forme de lignes, que les lignes vont dans des directions différentes, qu'ils sont placés à la périphérie de la peinture , et ils attirent le regard à autour de la peinture. Ce est sûr de vous fournir sera un soutien suffisant pour vous aider à obtenir le grade que vous voulez.

Les références sont importantes

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George Agnew Reid


George Agnew Reid (né le mercredi 25 juillet 1860 dans Wingham, Ontario, Canada. Le 23 août 1947 mort à Toronto, au Canada) était un artiste et un peintre canadiens et est le plus connu en tant que peintre de genre.

Exercé à l'école centrale d'Ontario de l'art, Toronto en 1879, étudié à l'académie de la Pennsylvanie en 1883, et également chez les académies de Julian et de Colarossi à Paris, et le Prado à Madrid (1888-89). Il a fait un certain nombre de voyages d'étude en Europe, pendant laquelle il a visité la France, l'Italie, l'Espagne et le Portugal.

Elle avait lieu pendant ce temps que Reid a tourné de l'art du portrait au genre, comme dans « la forclusion de l'hypothèque » (1893), faisant son nom avec les images narratives. Reid a apporté la précision parisienne d'académie aux peintures émotives de genre d'Ontario.

Il a été élu à l'académie canadienne royale des arts en 1889, et était directeur de l'école centrale d'Ontario de l'art et de la conception (une plus défunte université d'Ontario d'art et de conception) 1912-18.

Il a également fait des muraux et des commissions privées et publiques, y compris un pour la ville hôtel de Toronto.

Janet Jones


Janet Jones a une pratique dans la production culturelle en tant qu'un artiste et disciple. Ses peintures, qui étudient les espaces hybrides du mondialisme contemporain par rapport à la géographie et à la technologie féministes, ont été exhibées à travers le Canada, New York, l'Angleterre, l'Allemagne et la France. Elle a été une artiste visitante et des exposés présentés internationalement : en France, en Angleterre, en Russie, en Chine Cuba, les Pays Bas, et en Allemagne.

Janet Jones est un professeur d'associé dans le département des arts visuels, université de York, Toronto. Elle était la directrice du programme gradué de MFA dans des arts visuels, (1997-2000) et coordonnateur du programme culturel d'études d'arts fins (1990-93). En 2002 elle a reçu Teaching Award du doyen pour l'enseignement et la contribution exceptionnels à la vie et à la vibration de la faculté des arts fins.

Les expositions/projets récents incluent : Projet d'artiste, villes publiques/question 22 de scènes, expositions au musée de l'art canadien contemporain, Toronto, Kunsthalle Erfurt, Erfurt Allemagne, Faux-Mouvement, Metz, la France, galerie d'art d'Owens, NOTA:, et art Contemporain, Montréal, Québec de Sylviane Poirier. (Chacun des 2003-04) elle était une artiste visitante et a donné l'année dernière des papiers sur son travail à : Académie de Willem de Kooning Art, Rotterdam, Pays Bas ; Hogeschool, Pays Bas de Rotterdam ; et le Bauhaus, Weimar, Germany.She écrit actuellement un article intitulé « peignant les espaces du féminisme : Dérivant avec le Flaneuse » pour Feminismo/s, université d'Alicante, Espagne.

Joyce Wieland


Joyce Wieland (le 30 juin 1931 au 27 juin 1998) était un réalisateur de film expérimental canadien et un artiste mélangé de médias.

Wieland a été soutenu à Toronto en 1931 et elle a étudié la première fois l'art à l'école centrale de la technologie de Toronto. Après qu'un voyage vers l'Europe elle ait commencé un travail en tant qu'animateur de film et par ceci ait rencontré son mari, canadienne de Michael Snow d'artiste de camarade.

Elle a eu sa première exposition soloe à la galerie d'Isaacs à Toronto en 1960, qui a alors signifié qu'elle était également la seule artiste féminine représentée par une galerie commerciale canadienne contemporaine. En 1963 Wieland et Snow se sont déplacés à New York où ils ont vécu pendant dix années.

Elle a attiré l'identification critique de son travail mais elle a été également par le passé assaillie et presque violée par un agresseur. Cette expérience a acidifié la sa et la Snow vers New York et elles sont bientôt revenues à Toronto. Snow plus tard divorcée de Wieland et maintenu un profil bas jusqu'à sa mort dans 1998 de la maladie d'Alzheimer. Elle a été faite à un dirigeant de l'ordre du Canada en 1982.

Bill Reid


William (Bill) Ronald Reid (le 12 janvier 1920 au 13 mars 1998) était un bijoutier, un sculpteur et un artiste canadiens. Il a été soutenu à un père de descente européenne et d'une mère du Haida (une des premières nations de la côte Pacifique) dans Victoria, Colombie britannique.

Il a développé un intérêt vif pour l'art de Haida tout en travaillant en tant qu'annonceur par radio à Toronto, où il a également étudié la fabrication de bijoux, d'abord s'étant renseigné sur son héritage de son père maternel, qui lui-même avait été formé par Charles Edenshaw, un artiste de Haida de grande renommée.

En 1951 il est revenu à Vancouver et est devenu considérablement intéressé dans les travaux d'Edenshaw, travaillant pour comprendre le symbolisme de son travail, beaucoup dont eu perdu avec les nombreuses traditions de Haida. Pendant ce temps il a également travaillé aux objets façonnés récupérants, y compris beaucoup de mâts totémiques complexe découpés qui moldering alors dans les emplacements abandonnés de village, et facilité la reconstruction partielle d'un village à l'université du musée de Colombie britannique de l'anthropologie.

Travaillant dans les formes traditionnelles et les média modernes (habituellement or, argent et argillite), il a commencé en transformant des bijoux avant de s'embrancher en de plus grandes sculptures dans le cèdre en bronze et rouge, dépeignant habituellement des figures, des animaux et des scènes à partir du folklore, aussi bien qu'aider à la conservation de la mythologie de accompagnement.

Précédemment, les enfants des premières mères de nations et les pères européens n'étaient pas habilités au statut indien au Canada. Quand la loi a été changée, Reid était rapide pour solliciter l'identification en tant qu'Indien. Ses travaux plus magnifiques sont deux grandes sculptures en bronze, chacune qui dépeint un canoë rempli de figures humaines et animales : un noir, l'esprit du Haida Gwaii, à l'ambassade canadienne à Washington, C.C, aux Etats-Unis et en un vert, le canoë de jade, à l'aéroport international de Vancouver, en Colombie britannique.

Il a participé aux blocus des routes de notation qui ont aidé économiser les forêts tropicales de Gwaii Haanas (Moresby du sud) ; il a également cessé le travail sur la sculpture à Washington pendant cette période pour protester la destruction des forêts de Haida Gwaii. Reid a reçu beaucoup d'honneurs dans sa vie, y compris des degrés honorifiques de l'université de Colombie britannique, de l'université de Toronto, de l'université de Victoria, de l'université d'Ontario occidental, de l'université de York, et de l'université de Trent.

Il a reçu la récompense indigène nationale d'accomplissement pour l'accomplissement de vie en 1994, et a été fait à un membre de l'ordre de Colombie britannique et à un dirigeant de l'ordre de la France des arts et des lettres [1]. Après avoir consacré la dernière partie de sa vie à la création de nouveaux travaux et de ces derniers charge du curation, Reid mort dans 1998, du :maladie de Parkinson.

En juillet 1998, les amis et les parents ont barboté un grand canoë de cèdre, découpé par Reid pour l'expo 86, sur un voyage de deux jours le long de la côte Pacifique pour apporter ses cendres à l'île de Tanu dans le Haida Gwaii, l'emplacement du village de sa mère. Son travail est décrit sur la note $20 à la banque des nouvelle 2004) questions canadienne du voyage du Canada (appareillées avec une citation d'auteur Gabrielle Roy.

Pegi Nicol MacLeod


Pegi Nicol MacLeod, Margaret soutenu Kathleen (Nicol) MacLeod (le 4 janvier 1904 au 12 février 1949), était un membre canadien de la première vague des artistes de la peinture canadienne de modernisme. Elle est née dans Listowel, Ontario et était un élève de Franklin Brownell à Ottawa.

Successivement elle a étudié aux Beau-Arts de DES d'Ecole à Montréal. Dans 1932 a gagné le prix de concurrence d'arts de Willingdon pour la peinture. MacLeod a habité à Toronto de 1934 à 1937 après quoi elle s'est mariée et est allée habiter à New York City avec lui. Annuellement cependant, elle est revenue au Canada - en particulier à Fredericton Nouveau Brunswick, où en 1940 elle a ouvert un centre d'art pour les artistes aspirants à l'université du Nouveau Brunswick.

Un peintre des personnes et des paysages, elle des morceaux a tendu à avoir un sombre bien que joyeux, sentir réfléchissant perspicace et humanitaire à eux. Ils ont été souvent peints dans des tonalités amorties montrant l'influence, le plus susceptible, que le groupe renommé de sept artistes a eu sur beaucoup de peintres du Canada dans la première moitié du vingtième siècle.

MacLeod était contre la deuxième guerre mondiale, cependant en 1944 où elle a été commissionnée par la galerie nationale du Canada peindre beaucoup d'activités de la Division des femmes des forces armées par dehors la deuxième guerre mondiale en tant que moyens de présenter la guerre d'une perspective uniquement femelle. Aujourd'hui MacLeod est vu en tant qu'artiste bien considéré, dont le travail WW2, qui inclut 110 peintures à l'huile, la place en particulier indépendamment de beaucoup de elle des pairs alors.

MacLeod est mort du cancer à New York City en 1949, laissant plus que mille oeuvres d'art derrière, qui ont inclus beaucoup de peintures aussi bien que d'autres formes d'art telles que des conceptions pour les couvertures accrochées.

Jack Humphrey

Jack Weldon Humphrey est né en 1901 en saint John, Nouveau Brunswick et est mort en 1967.

Il était un paysage et une figure canadiens peintre, principalement dans le watercolour. Il a étudié à l'école du musée des arts fins, Boston, sous Phillip vigoureux et peinture l'académie nationale de la conception, la ligue d'étudiants d'arts, à New York, et école de morue de cap de l'aubépine de Charles. Il était un étudiant de base de Tiffany à l'huître Bay, Long Island, 1927.

Il a étudié en Europe de 1929 à 1930, étudiant à Paris avec André Lhote, et à l'académie de Grande Chaumiere et à Munich à l'école de Hans Hofmann. Il a également voyagé en l'Italie, la Hollande, la Belgique, et l'England.Visited Vancouver en 1933 et Mexique en 1938.

Humphrey était un membre fondateur du C.G.P. en 1933. En 1951 il a enseigné à l'université de la Reine à Kingston, Ontario. De 1952 à 1954 il a peint à Paris sur une camaraderie de gouvernement. Retournant de France en 1954, il a développé des tendances abstraites et nonobjective dans des paysages de gouache et d'huile, alors que ses beaux watercolours se concentraient sur les détails intimes de la nature.

Les peintures de Humphrey du port, des rues et des ouvriers de saint John au Canada ont établi sa réputation en tant qu'artiste régional et sienne travail s'est prolongée à de nombreux portraits des amis et des enfants de la ville. Ne faisant aucune concession pour façonner, Humphrey dur, approche honnête lui a fait un membre respecté de la société contemporaine de l'art de Montréal et le groupe canadien des peintres.

Il est mort en 1967 dans l'hôpital. Il avait récupéré d'une chirurgie récente. Il avait 65 ans à l'heure de sa mort.

Henry George Glyde


Henry George Glyde (soutenu le 18 juin 1906 dans Luton, l'Angleterre. Le 31 mars 1998 mort Victoria, au Canada) était un peintre et un éducateur canadiens d'art. Glyde a été formé à l'université royale de l'art à Londres, Angleterre (1926-30).

Il est venu au Canada en 1935 pour enseigner le dessin à Calgary à l'institut de la technologie provincial et l'art et dans 1936 est devenu chef du département d'art. Il était également chef de la division de peinture de l'école de Banff des arts fins (1936-66). En 1937 il a commencé à enseigner les classes d'art de la communauté par le département de la prolongation, université d'Alberta, où il a continué pour établir la Division de l'art fin. Il a enseigné là entre 1946 et 1966.

Les travaux les plus significatifs de Glyde sont des huiles et des muraux qui ont documenté des aspects de la vie urbaine et rurale de prairie dans un modèle qui pourrait s'appeler le réalisme social. Ses muraux sont classiques avec les couleurs sombres sombres et la figure groupements qui sont mythologiques et symboliques dans l'humeur et le contenu. L'emphase sur des réalités structurales reportées à son interprétation du paysage d'Alberta et à sa représentation British Columbia de la côte. Une exposition rétrospective importante a été produite par le musée de Glenbow en 1987.

Florence Carlyle


Soutenu dans Galt, Ontario, Florence Carlyle est allé bien à une figure et à un peintre de portrait dans le modèle moderniste et a été connu particulièrement en tant que coloriste. Elle a été élevée dans Woodstock, Ontario où son père était l'inspecteur du comté des écoles.

Sentant le talent de l'art de sa fille d'art, la mère de Florence s'est chargée pour un professeur d'art de New York City de fournir des leçons dans un studio particulièrement réglé jusqu'à encouragent les talents de sa fille. En 1890, Florence Carlyle, vieillissent alors 26, est allé à Paris, France où elle a étudié à l'académie Julian avec William Bouguereau, Jules Lefebvre et Robert-Fleury élégant.

En 1893, son travail a été exhibé à l'académie royale, et trois ans après, elle est revenue au Canada. Elle a eu des studios à Londres et Woodstock, et dans 1897 est devenue la première femme à élire un associé de l'académie canadienne royale.

En 1899, elle a établi un studio à New York City. Les vingt dernières années de sa vie ont été habitées dans Crowborough, le Sussex, Angleterre où elle et un ami, Julie Hastings, ont acheté une maison anglaise qu'elles ont appelé « Haws doux ».

Florence Carlyle est mort chez Crowborough le 2 mai 1923. Son travail est dans la collection de la galerie d'art de Woodstock, un musée dans Woodstock, Ontario.

Jonathon Earl Bowser


Bowser est un peintre vivant dans PEI, qui décrit son propre modèle en tant que « naturalisme mythique ». Le sujet le plus commun de son travail sont des déesses, habituellement situées dans des paysages colorés et poétiques.

Charles Alexander Moffat


Charles Alexander Moffat ou Charles Moffat (soutenu 1979 Wingham, Ontario, au Canada) est un artiste, un auteur et un directeur canadiens controversés de film. Son dessin-modèle est apparu dans la "Fuck Documentaire" et un documentaire d'art au sujet d'artiste féministe Cindy Sherman.

Moffat également a dirigé des films et des videos courts comme « la série d'Américains de crainte », « l'hiver nucléaire » et les « cauchemars le matin ». Charles Moffat a étudié à l'école d'Etat de Hillcrest dans Teeswater, Ontario, école secondaire de zone de Walkerton dans Walkerton Ontario, école secondaire de John Diefenbaker dans Hanover Ontario et à l'université de York à Toronto Canada.

Les peintures à l'huile de l'acrylique et de Moffat se concentre sur des matières controversées telles que l'avortement, la manipulation génétique, la sexualité, la culture gothique, les fétiches, le féminisme, la politique américaine, la censure, la zone démilitarisée coréenne et l'athéisme. Moffat est également connu pour ses peintures des violinists femelles. Sa peinture plus célèbre est « censure des Etats-Unis ».

Lawrence Paul Yuxweluptun


Lawrence Paul Yuxweluptun, reçu un diplôme de l'école d'Emily Carr de l'art et de la conception en 1983 avec un degré d'honneurs dans la peinture. La stratégie de Yuxweluptun est de documenter et favoriser le changement de l'histoire indigène contemporaine dans les peintures à grande échelle (de 54.2 x de 34.7cm à de 233.7 x de 200.7cm), en utilisant les éléments formels de cosmologie de Salish de côte, de conception de côte du nord-ouest, et la tradition occidentale de paysage. Ses travaux peints explorent les questions politiques, environnementales, et culturelles. Ses expériences personnelles et sociopolitiques augmentent cette pratique de documentation.

Le travail de Yuxweluptun a été inclus dans le nombreux groupe international et les expositions soloes, telles qu'INDIGENA : Perspectives indigènes contemporaines en 1992. Il était le destinataire de l'institut de Vancouver pour la récompense visuelle des arts (VIVA) en 1998. Le dessin-modèle de Lawrence Paul Yuxweluptun s'étend de peindre à la réalité et à l'exécution virtuelles, et a été exhibé par dehors le monde.

Son travail a été décrit comme controversé, historique, surréaliste, politique, éclairant, instructif et éducatif. Son travail s'engage dans le discours postcolonial et reflète les conditions sociopolitiques des premières communautés (indigènes) de nations au Canada. Son foyer est sur la façon dont les conditions toxicologiques globales ont effectué les premières communautés de nations.

Homer Watson


Homer Ransford Watson (le 14 janvier 1855 au 30 mai 1936) était un peintre canadien de paysage. Il était « l'homme que le premier a vu le Canada comme le Canada, plutôt qu'en tant que pastiches brouillées rêveuses de la peinture européenne, » selon J. Russell Harper, un ancien conservateur d'art canadien à la galerie nationale du Canada.

Il était un membre et le président (1918-1922) de l'académie canadienne royale, comme un membre fondateur et un premier président (1907-1911) du club canadien d'art, il est allé à l'école aînée de greenglade dans Mississauga.

Le fils de Ransford Watson et Susan Mohr, il est né dans le village de Doon (partie maintenant de Kitchener), Ontario. Il a reçu son premier ensemble de peintures d'une tante et il a décidé de devenir un artiste. Il a cherché le conseil du faucheur Martin de Thomas à Toronto, et s'est déplacé là en 1874.

Il a copié des travaux à l'école normale de Toronto et était principalement autodidacte, mais a rencontré d'autres artistes à Toronto (par exemple, Lucius O'Brien) tout en travaillant à temps partiel à un studio de photographie. En 1876, il a voyagé à New York et a rencontré le peintre George Inness.

Il a été influencé par l'école de fleuve de Hudson et peint le long des fleuves de Hudson et de Susquehanna dans les montagnes d'Adirondack. En 1880, il a vendu son premier travail principal, le moulin pionnier, au marquis de Lorne pour la collection d'art de la Reine Victoria. Que la même année, le marquis a ouvert la première exposition de l'académie canadienne royale ; Le travail de Watson a été montré et il a été élu un associé.

En 1881, il a marié Roxanna Bechtel, et les couples sont entrés dans la Chambre de Drake chez Doon. Ils ont acheté la maison en 1883, et il garderait la maison en tant que sa résidence permanente jusqu'à sa mort. Watson a peint la campagne grande rurale de fleuve pendant la majeure partie de sa vie artistique.

Il a été noté pour son engagement aux paysages canadiens : il a dit que « il y a au fond de chaque conscience artistique un amour pour la terre de leur naissance… qu'aucun travail immortel n'a été effectué qui n'a pas en tant qu'un de ses promptings pour sa création un sentiment son créateur a eu de avoir des racines dans sa terre natale et d'être un produit de son sol. » En 1882, tout en voyageant le Canada, Oscar Wilde a doublé Watson « l'agent de police canadien, » le comparant au grand artiste anglais de paysage en raison des thèmes et du modèle semblables. Wilde rendrait visite de temps en temps à Watson dans sa maison et ils ont envoyé des lettres entre eux. Les lettres aussi bien que le masque de mort de Watson sont perdues sur le marché noir.

Elles pour la dernière fois ont reblanchi au début des années 90 pour disparaître seulement encore. Watson s'est déplacé en Angleterre en 1887 pendant quatre années, et a plus loin établi sa réputation. Au cours des années à venir, ses travaux sont devenus de plus en plus populaires parmi des collecteurs et ont reçu des prix aux expositions à travers l'Amérique du Nord. En 1902, à la taille de sa carrière britannique, il a exhibé la porte d'inondation.

Il a fait campagne pour sauver les régfions boisées du comté de Waterloo qu'il avait préservées dans ses paysages. Après la mort de Roxa en 1918, il a été joint par sa soeur Phoebe dans Doon. Il a été forcé de vendre beaucoup de travaux de sa collection personnelle par l'accident de marché boursier de 1929. Il est mort dans Doon. Plusieurs de ses travaux sont toujours dessus affichage à sa vieille maison, que lui et sa soeur avaient transformée en petite galerie d'art.

Frederick H. Varley


Frederick Horsman Varley, également connu sous le nom de Fred Varley, (2 janvier 1881 au 8 septembre 1969) était un membre du groupe canadien de sept artistes.

Varley a été soutenu à Sheffield, en Angleterre en 1881 et art étudié à Sheffield et en Belgique. Il est venu au Canada en 1912 conformément à l'avis d'un autre indigène de Sheffield, Arthur Lismer, et a trouvé le travail à poignée Ltd. Il a servi dans la première guerre mondiale et a peint des scènes de combat de ses expériences du temps.

Il a été profondément troublé par ce qu'il a vu dans cette guerre. Son et la contribution d'AY Jackson dans la guerre a influencé le travail dans le groupe de sept. Ils ont exprès peint le désert canadien qui avait été endommagé par le feu ou des climats durs. Sa contribution principale à l'art, cependant, était pour son travail avec le groupe de sept.

Lui et Lawren Harris étaient les seuls membres du groupe pour peindre des portraits. Il est mort à Toronto en 1969.

Tom Thomson


Thomas John Thomson (le 5 août 1877 au 8 juillet 1917) était un artiste canadien influent du début du 20ème siècle. Il a été étroitement associé aux peintres qui plus tard sont devenus le groupe de sept, mais mort dans des circonstances mystérieuses avant qu'il ait formé. Thomson était en grande partie autodidacte.

Il a été employé en tant que concepteur avec poignée Ltd, une expérience de Toronto qui a rectifié son draughtsmanship. Bien qu'il ait commencé à peindre et dessiner à un âge jeune, il avait lieu seulement en 1912, quand Thomson allait bien dans ses années '30, qu'il a commencé à peindre sérieusement. Ses premiers voyages au parc d'algonquin l'ont inspiré suivre l'exemple des artistes de camarade en produisant des croquis d'huile des scènes normales sur de petits, rectangulaires panneaux pour la portabilité facile tout en voyageant.

Entre 1912 et sa mort en 1917, Thomson a produit des centaines de ces petits croquis, beaucoup dont sont maintenant logés dans des galeries telles que la galerie d'art d'Ontario à Toronto et la galerie nationale du Canada à Ottawa. Plusieurs des peintures principales de Thomson, y compris le pin de Jack, fleuve nordique, et le vent occidental, ont commencé comme croquis avant d'être augmentée dans de grandes peintures à l'huile au « studio » de Thomson--une vieille cabane de service avec un fourneau de bois-brûlure en raison de l'enclave d'un artiste dans Rosedale, Toronto.

Bien que Thomson ait vendu peu de ces peintures pendant sa vie, ils ont formé la base des expositions posthumes, y compris une chez Wembley à Londres, qui a par la suite apporté une attention internationale à son travail. La période créatrice maximale de Thomson était de 1914 à 1917.

Thomson a été aidé par le patronage de Dr. James MacCallum de médecin de Toronto, qui a permis la transition de Thomson du concepteur au peintre professionnel. Bien que le groupe de sept n'ait pas été officiellement fondé jusqu'à après la mort de Thomson, son travail est sympathique à celui des membres A.Y. Jackson, Frederick Varley, et Arthur Lismer de groupe. Ces artistes ont partagé une appréciation pour le paysage normal raboteux, d'unkempt, et tous larges courses utilisées de brosse et une application libérale de peinture pour capturer la beauté rigide et la couleur vibrante du paysage d'Ontario.

L'art de Thomson soutient de la ressemblance stylistique au travail de tels poteau-impressionnistes comme Vincent Van Gogh et Paul Cezanne, dont le travail il a pu avoir connu des livres ou des visites aux galeries d'art. D'autres influences principales étaient l'art Nouveau et des arts et ouvrent des mouvements des tard-dix-neuvième et tôt-vingtième siècles, les modèles dont il aurait été au courant de son travail dans les industries graphiques.

Depuis sa mort, le travail de Thomson s'est développé toujours valable et populaire. En 2002, la galerie nationale du Canada a mis en scène une exposition importante de son travail, donnant à Thomson le même niveau de Picasso eu les moyens par proéminence, de Renoir, et du groupe de sept en années précédentes.

Dans des décennies récentes, la plus grande valeur du travail de Thomson a mené à la découverte de nombreux contrefaçons de son travail sur le marché. Thomson a disparu pendant un voyage canoeing sur le lac canoe en parc d'algonquin dedans le 8 juillet 1917, et son corps a été découvert dans le lac huit jours plus tard.

La cause officielle de la mort était noyade accidentelle mais il y a des questions immobiles au sujet de la façon dont il est mort réellement. On a speculé le qu'il a été assassiné par un voisin Allemand-Américain, Martin Blecher, Jr., ou qu'il est tombé sur une grille du feu pendant une bagarre ivre avec J. Shannon Fraser, propriétaire de loge de Mowat du lac canoe, au-dessus d'un vieux prêt à Fraser pour l'achat des canoës.

Thomson a allégué a eu besoin de l'argent pour qu'un nouveau costume marie Winnifred Trainor, dont les parents ont eu une maison au lac canoe. Les rumeurs ont circulé suivant le sien se noyant qu'elle était enceinte avec l'enfant de Thomson. Winnifred Trainor a fait à un voyage à Philadephia avec sa mère l'hiver suivant et est retourné autour de Pâques. Elle n'a jamais parlé au sujet de son rapport avec Thomson.

Un neveu, Terrance Trainor MacGregor, un résidant supérieur de New York qui a hérité de son domaine, qui a inclus au moins 13 petites peintures et lettres de Thomson, a dit que les lettres confirment leur enclenchement. MacGregor a refusé de produire les lettres pour la recherche savante.

D'autres croient que Thomson, qui a produit au moins 63 peintures de paysage qui le printemps dernier, beaucoup dont il a donné loin ou a jeté, la dépression grave soufferte et noyé lui-même. Il a été enterré au lac canoe dans le parc d'algonquin le 17 juillet 1917.

Sous la direction de son frère plus âgé, George Thomson, le corps a été exhumé deux jours plus tard et re-interred dans la parcelle de terrain de famille près de l'église presbytérienne de Leith le 21 juillet.

Carl Schaefer


Schaefer, Carl Fellman, artiste, professeur (b à Hanover, Ontario le 30 avr. 1903 ; d à Toronto, Ontario le 21 mai 1995). Un interprète vigoureux pourtant sensible du paysage méridional rural d'Ontario, Schaefer est typique des artistes canadiens de régionaliste qui ont choisi de se concentrer sur des thèmes agraires et social plutôt que de désert pendant les années 30.

Son meilleur travail a été inspiré par l'environnement de ferme de son comté gris indigène. Il a étudié à l'université d'Ontario de l'art (1921-24), où ses professeurs ont inclus Arthur LISMER et MACDONALD de J.E.H. Son introduction à Ontario nordique est venue en 1926 avec un voyage de canoë au Pickerel et aux fleuves français, mais il a été forcé par la dépression de se rétablir et sa famille à Hannovre, où il a pris la peinture de watercolour.

Sa première « période de Hannovre » (1932-42) a été marquée par une transition d'un décoratif et géométrique à une approche rigide réaliste et de temps en temps allégorique pour aménager en parc et à une vie immobile. Son expérience pendant qu'un artiste officiel de guerre avec la force aérienne royale canadienne (1943-46) obscurcissait sa vision, mais par les années 50 il peignait encore dans un large, lyrique esprit dans la campagne autour de Hannovre et dans les comtés voisins de Wellington et de Waterloo.

Schaefer a commencé l'enseignement en 1930 et enseigné à l'OCA de 1948 à 1970. Trois expositions principales de Schaefer ont été montées et ont circulé pendant la vie de l'artiste : par le musée de McCord, Montréal, en 1967 ; par la galerie d'art de Robert McLauchlin, Oshawa, Ontario, en 1976 ; et par la galerie d'art d'Edmonton en 1980.

Ses peintures dans l'exposition « paysage canadien » ont voyagé les galeries européennes (1983-85). Il a reçu de nombreux récompenses et honneurs.

Alfred Pellan


Alfred Pellan, cc (le 16 mai 1906 au 31 octobre 1988) est une figure importante dans la peinture de Québec de vingtième-siècle.

Il est né dans la ville de Québec en 1906. De l'âge de quatorze jusqu'à son repére en 1926 il a étudié au DES Beau-Art de Québec d'École. La même année, il est devenu le premier destinataire d'une bourse de fin-arts du gouvernement de Québec, qui lui a permis d'étudier aux beau-arts De Paris de DES de nationale de supérieure d'École. Il est resté à Paris jusqu'en 1940, accomplissant son éducation artistique, alors déplacée à Montréal.

De 1943 à 1952, Pellan enseigné au DES Beau-Art de Montréal d'École. Ses classes ont pris la forme d'ateliers libres. Sa promotion de la pensée et de l'expression libres dans son enseignement l'a mis en désaccord avec le maillard de Charles, directeur beaucoup plus conservateur de l'école. Ceci a eu comme conséquence la démission provisoire de Pellan en 1945. De 1952 à 1955, il est allé de nouveau à Paris sur une intendance de la société royale du Canada.

Là, il est devenu le premier Quebecer (et Canadien) pour tenir une exposition soloe au moderne national de d'art de Musée. La production de Pellan est très grande et diverse. Sien des prospections tôt, de son premier séjour à Paris, montrent une influence marquée de fauvist. À partir des années 40 dorénavant, ses travaux deviennent plus près du cubisme et du surrealism, puis s'embranchent dehors dans leur propre modèle distinctif.

Bien que principalement un peintre, Pellan ait employé beaucoup de différents matériaux, y compris la couverture et le verre accrochés. Il a costumé et également a placé des conceptions pour le théâtre. Pellan a reçu un grand nombre de prix et de distinctions, y compris quatre doctorats honorifiques. En 1967, il a été fait à compagnon de l'ordre du Canada.

Il a été attribué le prix de Paul-Émile Borduas en 1984 et a fait un dirigeant d'Ordre National du Québec en 1985. Au cours des années, il a participé dans plus de cent expositions collectives à l'étranger, renforçant sa réputation internationale. Alfred Pellan est mort dans Laval, Québec en 1988.

Lucius Richard O'Brien


Lucius Richard O'Brien (le 15 août 1832 au 13 décembre 1899) a été soutenu dans le compartiment d'hutte, Ontario et a pratiqué en tant qu'ingénieur jusqu'à ce qu'il soit devenu un peintre professionnel. Il est le plus connu pour des peintures de paysage de l'autre côté du Canada dans l'huile et le watercolour. Plusieurs de ses peintures sont tenues par la galerie nationale du Canada.

Il était le premier et de fondation président de l'académie canadienne royale des arts en 1880 et du rédacteur du Canada pittoresque (1882).

Il est mort à Toronto, Ontario à l'âge de 67.

Lilias Torrance Newton


Lilias Torrance Newton a laissé un legs en tant qu'un des artistes du portrait les plus prolifiques du Canada, avec une carrière de peinture enjambant sur 50 ans.

Elle était l'enfant le plus en bas âge et seulement la fille de Mary Alice Stewart et de Forbes Torrance. Son père, un artiste d'amateur et membre original du club de stylo et de crayon de Montréal, mort tandis que Lilias était toujours un enfant en bas âge.

Il était pendant la convalescence, en 1906, que Lilias a commencé à développer un intérêt pour l'art, ayant passé beaucoup de son temps étudiant les sketchbooks de son père. Elle a commencé l'instruction formelle d'art à l'association d'art de Montréal et tandis qu'un étudiant chez School de Mlle Edgar's et de Mlle Cramp's dans Montréal. À l'âge de seize, Lilias a commencé des études plus formelles par l'association d'art de Montréal, sous l'instructeur renommé William Brymner.

Elle a été fortement accomplie, après avoir été attribué deux bourses en sa première année. Elle a voyagé en Angleterre pendant la première guerre mondiale et a servi avec la croix rouge, en plus de l'augmenter des études, avant le renvoi à Montréal en 1919. En 1920, newton avec d'autres anciens élèves de l'association d'art de Montréal, a loué l'espace de studio sur la colline de Hall de castor. Parmi elle les pairs étaient prudence Heward, A.Y. Jackson et Sarah Robertson.

Cependant seulement ensemble pendant une année et une moitié, cette communauté des artistes faits leur marque sur l'histoire canadienne d'art et est devenu notoire en tant que groupe de Hall de castor. Tandis que moins connu que le groupe de sept, le groupe de Hall de castor était plus divers en termes de son adhésion et son travail. Le groupe s'est composé des deux femmes et hommes, et leur travail a inclus la peinture et l'encore-vie figuratives, en plus du paysage. Lilias a marié newton de Frederick G. en 1921.

Elle a continué à peindre et a exhibé son travail à l'association d'art de Montréal et de l'académie canadienne royale [de l'art]. La galerie nationale du Canada a acquis plusieurs de ses travaux. En 1923, elle est revenue à l'Europe afin de la poursuivre des études. Elle a étudié à Paris sous le peintre Alexandre Jacovleff, qui a persuadé newton pour soumettre son travail au salon de Paris ; elle a gagné un d'Honneur de ministre Mention pour un portrait autorisé Denise.

Le cachet international a aidé newton pour faire un nom pour elle-même sur son retour vers le Canada, et elle des travaux ont été présentées à plusieurs objets exposés nationaux et internationaux. Le seul enfant de newton, un fils, Francis Forbes, est né en 1926. Son mari, un courtier de bourse, souffert sous l'accident de 1929. Les couples séparés et plus tard divorcés en 1933, laissant Lilias seul à l'appui elle-même et son fils.

Malgré la grande dépression, il y avait toujours une demande significative de la peinture de portrait parmi l'élite du Canada, ainsi newton a tourné à l'art du portrait professionnel en tant que des moyens d'appui. Les années qui ont suivi étaient prospères pour newton. Elle a rapidement établi une réputation en tant qu'un des plus bons artistes du portrait du Canada, et a voyagé à de divers points à travers le Canada pour accomplir de nombreuses commissions.

Une partie de elle des sujets a inclus A.Y. Jackson et Lawren Harris du groupe de sept, de Vincent et d'Alice Massey et membres de la famille de Southam. En outre, elle a été élue à l'académie canadienne royale [de l'art] en 1937, et a continué pour enseigner la peinture à l'association d'art de Montréal à côté d'Edwin Holgate.

En 1957, newton a été commissionné pour peindre un portrait officiel de la Reine Elizabeth et prince Philip, le premier Canadien indiqué pour produire un portrait d'un monarque régnant. Newton de Lilias Torrance a continué à peindre par le milieu des années 70, malgré sa santé en baisse. Elle est morte dans Cowansville, Québec en 1980.